Exposición VI Premio de Arte, Call for artists. Galería Carmen Terreros

Atrapado (obra ganadora)

Medidas: 200 x 200 cm

Técnica: mixta sobre lienzo, pintura acrílica y plástica

Atrapado es una reflexión sobre la necesidad de encajar dentro de unos límites impuestos. Presenta un personaje comprimido en el propio lienzo, como si el soporte se transformara en una estructura que contiene y condiciona su cuerpo. La postura retorcida habla de la lucha interna, del dolor y de la búsqueda de equilibrio entre lo que sentimos y lo que proyectamos al mundo. El cuerpo se convierte así en un reflejo físico de nuestras emociones, una forma de mostrar aquello que muchas veces permanece oculto. La pieza aborda la resiliencia desde la incomodidad, planteando una tensión entre fragilidad y resistencia, entre adaptación y deseo de romper con los estereotipos que nos limitan.

La batalla del agua (accésit)

Medidas: 146 x 114 cm

Técnica: óleo sobre lienzo

En La batalla del agua, dos figuras enmascaradas se enfrentan en un paisaje suspendido, a medio camino entre el combate y la danza. Sus cuerpos parecen seguir una coreografía en la que la tensión y el movimiento conviven. Las máscaras introducen una doble condición: identifican a quienes forman parte de un grupo y, al mismo tiempo, ocultan aquello que los hace individuos. El paisaje, construido con tonos difuminados, envuelve la escena en una atmósfera onírica donde el tiempo parece detenerse. La obra toma como referencia Duelo a garrotazos, de Francisco de Goya, y traslada su enfrentamiento a un espacio ambiguo, más cercano al recuerdo y a la ensoñación. La lucha deja de ser únicamente física y adquiere una dimensión simbólica, relacionada con la pertenencia, la identidad y las formas en que nos reconocemos frente al otro.

Cartografía de la tensión superficial 

Medidas: 166 x 126 cm

Técnica: Cianotipia manual sobre papel de algodón a partir de negativos 166 x 126 cm

En Cartografía de la tensión superficial, una piscina ocupa el campo de visión. Sobre el agua, una salpicadura que no vemos ha dejado una serie de ondas que se extienden por la superficie. La fotografía fue concebida para ser trasladada a cianotipia, un proceso de revelado por contacto que imprime la imagen sobre papel mediante la acción de la luz. El azul de Prusia modifica la percepción del agua y acentúa su carácter de superficie sensible. Las dieciséis piezas forman una retícula que, desde la distancia, recuerda a un mapa o a unas coordenadas. La estructura fragmentada y el procedimiento manual introducen una dimensión física en la imagen. Lo que ha provocado el movimiento permanece fuera de campo. Solo queda su huella, abierta a aquello que cada espectador pueda imaginar.

Mi devenir

Medidas: 80 x 120 cm

Técnica: fotografía

En Mi devenir, una figura cubierta por una sábana ocupa el centro de la imagen. El cuerpo está presente, aunque permanece oculto. La sábana, asociada al descanso y a la intimidad, adquiere aquí otros significados. Puede proteger, esconder, silenciar; también puede contener aquello que todavía resulta difícil nombrar. La fotografía precede y fundamenta Devenir (2026), un proyecto textil colectivo desarrollado con mujeres que han vivido situaciones de violencia de género, en colaboración con la Casa de la Mujer de Zaragoza. La imagen plantea así un espacio de tránsito entre la experiencia individual y la construcción colectiva de la memoria. El cuerpo cubierto se convierte en una imagen de fragilidad, pero también de transformación. El tejido deja de ser únicamente un objeto cotidiano para convertirse en materia capaz de guardar experiencias, protegerlas y, con el tiempo, hacerlas visibles.

Paisaje articulado

Medidas: 60 x 40

Técnica: óleo sobre tela

En Paisaje articulado, Daniel Vera parte del paisaje para explorar nuevas formas de construir el espacio pictórico. El lienzo se divide en varios planos que recuerdan a un biombo y modifican la percepción habitual de una imagen frontal. El paisaje adquiere una presencia física que depende de la luz, las sombras y la posición del espectador. Al fondo aparece un incendio. Su presencia introduce una tensión que atraviesa toda la escena y transforma la percepción del territorio. Frente a la geometría de la estructura, el fuego representa un fenómeno natural imprevisible, cada vez más presente en nuestro entorno. La obra pone en relación paisaje y construcción, naturaleza y artificio, y plantea una imagen del territorio marcada por los cambios que estamos viviendo.

Mi luz

Técnica: escaneo digital de super 8 intervenido con lacas y técnicas de borrado de emulsión

En Una luz, la película Super-8 se convierte en materia de trabajo. Cada fotograma ha sido intervenido manualmente con lacas y técnicas de borrado de emulsión para después ser escaneado y reconstruido como imagen digital. La luz atraviesa el soporte, descubre sus transparencias, marcas y texturas y modifica aquello que había sido registrado previamente. El movimiento nace de la sucesión de estas imágenes únicas, donde cada intervención deja una huella diferente. El resultado se sitúa entre la pintura, la fotografía y el cine. El proceso adquiere un papel central y convierte el propio soporte en parte de la obra. La imagen deja de ser únicamente algo que se proyecta para convertirse en una superficie que puede ser alterada, borrada y escrita sobre el tiempo.

Resiliencia

Medidas: 80 x 60 cm

Técnica: fotografía

En Resiliencia, una mujer vestida de negro permanece arrodillada frente a una columna, en el interior de una habitación marcada por las grietas. La escena, construida con luz natural, sitúa al cuerpo en un espacio de aislamiento y silencio. Desde una ventana, varios haces de luz atraviesan la estancia y rompen la penumbra, estableciendo un contraste que sostiene toda la composición. La fotografía parte de una lectura platónica de la imagen para abordar la invisibilidad que experimentan muchas mujeres ante situaciones relacionadas con la salud mental y el género. La postura del cuerpo, el espacio deteriorado y la entrada de luz construyen una escena cargada de símbolos. La imagen se mueve entre lo visible y aquello que permanece oculto, entre el aislamiento y la posibilidad de recuperar un espacio propio.